時間：2023-05-31 15:13:32
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關鍵詞：花腔女高音嗓音技巧聲樂作品柔韌性華彩樂句訓練
花腔女高音（coloraturasoprano）在藝術的歌唱中屬于抒情女高音最纖巧、最靈活的聲部，是女高音中最高而輕盈的一種唱法?；ㄇ慌咭粲兄被ㄋ棋\的燦爛音色和優美的嗓音，并有令人咋舌的超高音，一般高音可達f3，能夠在寬廣的音域中自如地表現華麗、嫵媚的音樂色彩；花腔女高音的演唱特點是擅長唱彈跳、快速的歌曲或樂句；她的技巧表現為華麗而快速的音階進行式、分解和弦式、同音反復式和寬闊音程的頓挫跳進，包括各種裝飾音，如斷音、顫音、頓音、滑音、回音等。盡管花腔女高音的音量和力度并不是很大，但細若游絲般的聲音輕靈、清澈、亮麗、利落，可以穿透各種聲部和龐大的交響樂，飛揚到劇場的每個角落，震撼人心。無疑，花腔藝術是“貝爾康托”的典范和精髓，人們不得不為古今中外的歌唱家們的超凡的藝術才華和演唱功底所折服。據此，本文將闡述它的發展歷程及其訓練實踐。
一、花腔藝術的歷史淵源
花腔技巧，產生于美聲唱法的黃金時代——17、18世紀閹人歌手（Castrati）的盛極時期。音樂史學家潘察基（1840—1904）曾這樣感嘆道：“什么樣的歌唱家?。∧憧梢韵胂筮@種聲音，它既有長笛的甜美又有人聲的溫暖、平和。這聲音又輕松又連貫，像一只云雀飛越天空，陶醉在它自己的飛翔中；向上又向下，同樣的輕松，同樣的連貫，沒有絲毫用勁的跡象或者取巧、變花招的破綻。這種聲音能把情感的音訊立即轉變成音響，使人的靈魂駕著情感的翅翼升入無盡的蒼穹?！毖莩记缮嫌兄芨叱删偷拈幦烁枋质⑿辛私鼉蓚€世紀之久，由于當時歌劇中的許多角色只能由閹人歌手來承擔（男童后造成音質的變化來代替女聲），他們既不同于假聲男高音和高男高音，也不同于京劇中男唱女的旦角，閹人歌手具有比女子的聲帶更短、更薄的聲帶，同時又擁有男聲的優勢——呼吸器官、胸腹的肌肉、肺活量——一個強有力的呼吸支持，因而他們能唱出既高又靈巧的聲音，無需用假聲便能發出悅耳的類女聲，其特點是音域寬廣，力度與靈活并存；他們憑著嫻熟、高超花腔技巧稱霸樂壇，其代表人物：Folignato、Caffarelli、Farinelli、Senesino、Bernacchi、Caccini等等。這個時期作曲家們專門為閹人的特殊歌唱能力而寫出了許多的偉大作品，例如：蒙泰韋爾迪的第一部歌劇《奧菲歐》中的主角就是由閹人歌手擔任的；格魯克、亨德爾、莫扎特、羅西尼等著名作曲家的早期歌劇中也都有閹人歌手承擔的角色。這些作品有無數的大跨度音程的跳音、快速樂句、顫音以及各種各樣的裝飾音和變化音，高音往往都在highc以上，極力炫耀其驚人的絕技。在一些聲樂中不僅高聲部要唱花腔樂段，而且女中音、男中音，甚至男低音也要加入花腔技巧的行列，如亨德爾的清唱劇《彌塞亞》和男中音詠嘆調《在桎梏中》等?？梢?，當時追求表現繁飾的旋律和復雜的花腔技巧已達到登峰造極的地步。無疑，閹人歌手是特殊聲樂時期的產物。
羅西尼、唐尼采蒂、貝利尼三位大師在19世紀初開創的“美聲學派的新時期”，實現了意大利美聲學派的藝術理想和演唱風格，女聲的花腔技巧得到了長足的發展。值得一提的是，自從找到了男高音的“關閉”（Close）方法的金鑰匙后，以男高音的歌唱技術替代了閹人歌手。在西歐歌唱藝術長遠的歷史進程中，不同時期的學派和聲樂大師通過探索、研究和實踐，其聲樂教學手段、方法和理論不斷豐富和完善，培養出了眾多的世界一流的歌唱家。實踐證明這些歌唱藝術和技巧是具有價值和生命力的。
“花腔”的這一概念雖定位于傳統西歐的美聲唱法，但在我國的傳統戲曲、曲藝中近似于“花腔”的唱腔也屢見不鮮、豐富多彩，其產生年代更久遠、更古老。雖然沒有音響資料考證，但我們可以在劉鶚的《老殘游記·明湖居聽書》中足見一斑，并通過文字來享受到白妞——王小玉精湛的演唱技藝和栩栩如生的表演。同時，對當時的歌唱藝術發展的情況有所了解?！皾u漸地越唱越高，忽然拔了一個尖兒，像一線鋼絲拋入天際……她于那極高的地方，尚能回環轉折；幾囀之后，又高一層，接連有三四疊，節節高起?；腥缬砂羴矸逦髅?，攀登泰山的景象：初看傲來峰削壁千仞，以為上與天通，乃至翻到傲來峰頂，才見扇子崖更在傲來峰上；乃至翻到扇子崖上：越翻越險，越翻越奇……陡然一落，又極力騁其千回百折的精神，如一條飛蛇在黃山三十六峰半中腰里盤旋穿插，頃刻之間，周迎數遍。從此以后，愈唱愈低，愈低愈細……約有兩三分鐘之久，仿佛有一點聲音從地底下發出。這一出之后，忽又揚起，像放那東洋煙火，一個子彈上天，隨他作千道五色火光，縱橫散亂。這一聲飛起，即有無限聲音相和，有如花塢春曉，好鳥亂鳴?！辈浑y看出這位古代藝術家的演唱技巧已達到了精彩絕倫的地步和境界。從某種意義上說，我國京劇藝術中的青衣、花旦和湖南的“高腔”等劇種的唱腔與美聲的花腔技巧確有不謀而合的異曲同工之處。
二、花腔女高音的魅力與表現
1.聲樂作品與花腔技巧相得益彰
在19世紀以斯卡拉蒂為代表的拿波里學派，把“美聲”的花腔歌唱提高到一個最高階段，并形成了“華麗風格”。這個時期的作曲家們對嗓音的運用、發揮極其敏感，他們常常巧妙地運用花腔女高音靈巧的嗓音并富有感染力的極限音域，來表現某種特殊或強烈的感情，其創作的此類曲目極為廣泛。莫扎特、唐尼采蒂、羅西尼、貝利尼、威爾第、普契尼等在這方面有著大量的經典之作。如在莫扎特著名歌劇《魔笛》中夜后的復仇詠嘆調中，一串串的花腔除了閃爍著閹人歌手炫耀花腔絕技的演唱風格的余暉外，還表現了一個母親憤怒和報復的心。這首詠嘆調對花腔女高音的技巧要求很高，詠嘆調中的每一個高音都像一把利刃一樣閃著光芒，作品中大量的快速走句，一字多音，需要嗓音柔韌靈活，再加上多處琶音、顫音和大幅度的跳動及裝飾音型并多次達到小字三組的f。此外，中段還出現連續的三連音走句等器樂化的音型和帶有戲劇性的強度變化，使該曲成為花腔女高音的試金石。
約翰·施特勞斯的輕歌劇《蝙蝠》中的阿黛莉、貝利尼的歌劇《夢游女》中的阿米娜、唐尼采蒂歌劇《拉美莫爾的露齊亞》中的露齊亞、威爾第的歌劇《弄臣》中的吉爾達等角色，都由花腔女高音聲部來承擔。另外屬花腔女高音范疇的抒情花腔曲目更是琳瑯滿目：藝術歌曲《威尼斯狂歡曲》《春之聲》《燕子》《夜鶯》等等。其中，有著典型花腔技巧的聲樂作品——誕生于法國的藝術歌曲《燕子》（阿古阿E.D.Acqua,1784—1849作曲），它是音樂舞臺上常唱不衰的曲目，歌曲充滿了古典派的形式美。全曲通過生動、活躍的節奏，輕靈而又感情含量很高的旋律，特別是中段大量裝飾性華彩樂句，既發揮了花腔女高音的演唱技巧，又刻畫了憧憬理想生活的女主人公愿隨自由飛翔的燕子遠去他鄉的心情。完成這首作品需要一定的聲音基本功，要求演唱者聲音要在氣息的依托下走動，輕盈而自如、晶瑩而透徹；既注意每個字清晰，又保持聲音線條連貫；華彩樂段需唱得干凈、利落、飄逸，做到上行音階喉頭穩，下行音階聲音位置統一；同時，演唱者需具備漂亮的音色和極富樂感的嗓音，才能使聲音如同生雙翼般，在云端起落回繞自得，在晴空翻飛相錯而行。
在中國當代聲樂作品中，出于作品思想內容和感情表達的需要運用花腔技巧手法創作的聲樂作品豐富多彩，有的作品以富于彈性的節奏、輕快的速度作為創作手法，恰到好處地表現了生動活潑、熱情奔放的情緒，如：哈薩克民歌《百靈鳥你這美妙的歌手》、施光南的《林中小鳥在歌唱》。值得一提的是，吉林藝術學院的尚德義教授對花腔女高音這一聲種及其作品的特點進行了比較深的研究和潛心的創作，他吸取了民族民間音樂中的花腔因素，把花腔技巧非常自然地運用于民歌音調中，使聲樂旋律的發展更加靈活自如，更加生動精巧、富有鮮明的民族特色和表現力，繼《千年的鐵樹開了花》后，他創作了具有彝族風格的《火把節的歡樂》、東北風格的《今年梅花開》、西部風格的《七月的草原》《牧笛》、蒙古族風格的《小鳥飛來了》等作品，令人耳目一新。他另外兩首花腔女高音作品《科學的春天來到了》《春風圓舞曲》，給人們以明朗、舒暢、清新和充滿自信的感受。在當代聲樂作品中具有典型花腔技巧的還有姜一民的《軍營里飛來一只百靈》、徐景新根據民族器樂曲改編的《春江花月夜》等曲目，它們給當代中國聲樂作品的創作增添了活力和全新的風格。
2．花腔演唱人才輩出
隨著閹人歌手逐漸衰微，自18世紀末第一次由女聲（F.Federici）在羅馬登臺出演歌劇起，女高音歌唱家人才如雨后春筍。她們擺脫了意大利傳統中的那種空洞的炫技式表演，進而把歌唱的戲劇性和深刻的內容與高度卓越的技巧融匯在一起，并且力圖通過她們的演出實踐達到聲樂藝術表現的理想境界。如19世紀涌現的帕斯塔、葛里西、托西、瑪利勃蘭、帕蒂、梅爾芭等杰出女高音歌唱家，近代聲樂家中最卓越、著名的希臘“全能女高音”——瑪利亞·卡拉斯（M.Callas），從花腔女高音唱到女中音，盡女聲歌唱家之能事，被譽為20世紀“花腔藝術的典范”——繼卡拉斯之后又一位古典美聲歌唱家——瓊·薩特蘭，對她來說，她的駕馭復雜的花腔技巧如同一位高超的器樂妙手一般游刃有余，她將聲樂與戲劇實現了比較完美的結合。蓋爾·羅賓遜、麗泰·夏、貝佛利·雪爾史、凱瑟林·巴托和周淑眉等都是這個領域中的佼佼者。
在我國老一輩音樂家中，被稱為中國的夜鶯和百靈鳥有：著名歌唱家、聲樂教育家周小燕、孫家磬等，上個世紀末我國音樂學院的教授們紛紛在這一專業領域里培養出了大批的人才與新人，在國際、國內聲樂比賽中屢屢獲獎，引起世人矚目。如：沈湘教授的學生——迪里拜爾；葛朝祉教授的學生——黃英；周小燕教授的學生——高曼華；謝紹曾教授的學生——陳小群；郭淑珍教授的學生——幺紅、研究生——吳碧霞；王秉銳教授的學生——鄭詠等等。2005年在中國寧波舉辦的國際聲樂比賽中，新人吳艷蜮以《茶花女》中詠嘆調——《也許他是渴望見到的人》和《拉克美》中詠嘆調——《印度鈴歌》兩首高難度的花腔女高音曲目一舉奪冠，她那嫻熟自如的花腔技巧和駕馭作品的能力充分顯示了作為一個花腔女高音的扎實功力，征服了所有的評委和觀眾。
三、花腔技巧的訓練與實踐
花腔技巧的獲得并非一朝一夕的功力，無疑需要一個長期的、科學的訓練和逐步掌握的過程。歐洲傳統聲樂大師們為聲樂理論及聲樂教學原則奠定了堅實的基礎，我國聲樂工作者前赴后繼，積累了許多寶貴的教學經驗。筆者通過多年的學習并跟隨多位著名專家進修，在多年教學和科研中對花腔女高音這一聲種的訓練有所體會，總結如下：
A.柔軟性和圓連音（Legato）的訓練?！斑B貫”是美聲的重要原則，從某種意義上說，沒有連貫的聲音就沒有“美”的聲音。因此，美聲唱法要求歌唱的旋律線條（Cantilena）要像提琴或長笛那樣流暢、圓潤、連貫和平滑。而柔軟性是聲音質量的重要指標，更是花腔女高音發聲技巧質量的重要保證?；ㄇ慌咭糁跃哂幸巳雱俚穆牳绪攘Γ怂唠y度的技巧以外，花腔女高音的特質——高頻率、高泛音所產生的柔和、明亮的、清透的、銀鈴般的音色（Timbre）也是一個很重要的因素，而歌者美妙的音色來自于她發聲狀態的柔韌性。我們知道，發聲體振動頻率的高低和發聲體大小、長短、粗細、厚薄、張力等因素有著直接的關系，歌唱的呼吸正確與否更是關鍵。因而聲音連貫、柔韌的訓練可從以下幾點出發：
(1)加強橫膈膜的支持力，建立氣息的對抗力量，并在歌唱時巧用氣息；
(2)構建后咽腔通道，歌唱時向咽管呈繃緊狀，使咽壁堅挺而有張力；
(3)打開喉嚨并建立正確的喉型，同時隨著時值的延長，舌根推前迫使咽喉前后拉開；
(4)聲音從氣息支點處通過共鳴管道向頭腔高位置呈拋物線運動；
(5)需從每個元音的延長音上去建立狀態。
B.音階（Scale）、琶音（Appoggiatura）的訓練。音階（Scale）、琶音（Appoggiatura）的訓練是獲得良好花腔技巧的基礎。古今中外，不論哪一種風格的聲樂作品，都離不開大量的音程的跳動形態，即音階與琶音。特別是西洋古典的聲樂作品——花腔女高音聲部的華彩樂段中的快速的音階進行式、分解和弦式、同音反復式和寬闊音程的頓挫跳進等樂句，往往是演唱技術最復雜和高超的地方，也是充分顯示歌者技巧與功力之處。具體訓練步驟、要求如下：
(1)五度上行與下行音階——隨著旋律的高低進行，力求喉頭的穩定，氣息均勻流暢。
(2)八度音階的上下行——要求“顆粒性”清晰可辨，音與音之間分隔清楚，如珍珠般均勻、靈巧；但音點與音點之間有良好的連接，形成“音線”，并有氣息來控制。
(3)琶音分解的落滾練習——連跳結合，音斷狀態不斷。在氣息的支撐下，找到共鳴點（亮芯）。
(4)超過八度以上的琶音及屬七分解練習——聲區銜接、過渡統一自然；快速走句均勻、流暢，唱得從容有余。
揅.漸強與漸弱（Messadivoce）的訓練。漸強與漸弱不僅為旋律線條增添了活力與動感,有助于深化詞意和情感變化的過渡，推動音樂的起伏和。同時，它的訓練是傳統西洋唱法常用的一種特殊技巧手法，是指在唱一個長音時，由弱到強再回到弱的嗓音控制能力，漸強能體現“感情逐漸激動的傾向”和“寬廣的氣宇”等表現力。漸弱則是增加“引人入勝”的音樂效果，是抓住聽眾心靈的重要因素。那么，做好漸弱、漸強，需做到以下幾點：
(1)輕重強弱的變化取決于氣息沖擊力的增減，由腹部肌和橫膈膜對氣息的控制來實現；
(2)調整共鳴腔體即口形開合大小和調整聲帶的張力；
(3)理解漸弱、漸強的表情意義、藝術意義和美的趣味；
(4)欲強先弱，欲放先收；
(5)對“漸”的把握，需要歌者有敏銳、細微的感覺并且具備歌唱呼吸的功力和內在修養，方能張弛有度。
D.跳音（Staccato）的訓練。跳音又稱為“頓音”。指起音一剎那的聲門閉合的靈活性以及氣息支持的彈性，從而獲得準確、果斷的音頭和干凈的音質。唱跳音時，以橫膈膜和腹肌的有彈性的急速、敏捷、有力的擴張與收縮，聲音通過后咽通道從頭腔的共鳴焦點處射出，發聲狀態積極、敏銳、有彈性，聲音集中、顆粒性、穿透力，如鉆石般的色澤。訓練時可選擇音階上下行、琶音分解和音程跳進、模進等練習曲，先慢后快，快慢結合。
E.顫音（Trill）的訓練。顫音（Trill）的訓練是提高歌手嗓音靈活性的重要手段之一。它是兩個不同音高的音有規律地、清晰地、均勻地顫動，而不是缺乏規則、穩定的隨意抖動。練習“顫音”的手段是先用連音以正常的發音方法連一小節相距一個全音或半音音程的兩個八分音符，然后，在下一小節加快到十六分音符來唱。意大利美聲學派代表人物、聲樂教育家弗朗契斯科·蘭培爾蒂指出：“顫音因通過喉頭的振動而產生，不應依靠胸部的動作”，“應該用慢的速度來學習靈活性。應該把所練的音程唱得清晰、明確。從一個音符到另一個音符應保持氣息穩定……一旦掌握了這種方法之后，他可以著手學習其他類型的靈活性，但他應牢記熟練地掌握發音的基本法則是掌握清晰和有把握的靈巧性的根本，這對于那些天生嗓音就很靈活和那些不很靈活的學生都適用。在學習靈活性中我要告誡學生，要非常小心和有節制?！?/p>
F.裝飾音的訓練。裝飾音屬于旋律范圍，它既能增添旋律的色彩又能增加節奏的活力。唱好裝飾音是花腔女高音必須要掌握的基本技巧。裝飾音的類型有多種，唱法也不盡相同。如回音（Turns）：常見在主音的上方加上小二度：在本音上方開始的稱“順回音”，從本音下方開始的稱“逆回音”，在本音上加符號的和在本音后加符號的唱法就不一樣。裝飾音還包括倚音、漣音、碎音和顫音。他們的訓練重要的不是快捷而是準確、細致，且聲音不宜粗重、渾濁。所以一開始要慢練，音要準，節奏要穩，隨著技巧的進步再逐漸加快速度，唱得瀟灑、輕巧和優雅。
掌握以上聲音基本功，并從呼吸、發聲、共鳴、語言等多方面來協調統一、整體配合，方能勝任聲樂作品中繁多的、復雜的各種技巧的快速樂句和高難度的花腔華彩樂段。除此以外，一個歌手良好的聽覺、音準、節奏和音樂修養也是必不可少的，同時，從心理到技術需要足夠的毅力和耐心，遵循科學的原則，切不可有急功近利的心態。
參考文獻：
[1]尚家驤著《歐洲聲樂發展史》華樂出版社2003.5
關鍵詞：民族聲樂漢族民歌分類色彩區
事物從起源，開始發展，直到消退，這看似清晰的過程，分析起來竟是如此緩慢，甚至有些模糊。這是由于一些演化而來的事物，很難由后向前追究，也很難用“劃分”這樣一個詞來對如此復雜、緩慢的過程進行“加工處理”。所以，人們僅在此模糊地清晰些，又在清晰中變得模糊。不難看出，從本身就無法言表的音樂藝術到紛繁復雜的民歌發展。人們也很難確立出一個方整、明顯的界限。單從這樣一個深奧而又顯而易見的角度來看，我也會不經意想到“近似”這樣一個詞了。
漢族民歌有多種分類方法，目前較為慣用的是按照“體裁”形式分類的方法，其大致可把漢族民歌分為：1.號子(有“搬運號子”“船工號子”“作坊號子”等)；2．山歌(包括“放牧山歌”“田秧山歌”“一般山歌”等)；3．小調(例如“謠曲”“時調”“風俗儀式歌曲”“舞歌”等)?！绑w裁”分類法有助于認識和研究民歌與人民生活的關系、民歌的社會功用以及音樂表現的方法、特點等問題。
但是，究竟什么是漢族民歌的“體裁”?漢族民歌體裁的劃分依據應如何確定呢?“體裁”究竟是指民歌音樂形態上的藝術特征，還是指它的社會產生條件?抑或是指產生和應用場合所造成并限定了按照這一如此模糊不定的“體裁”概念分類，人們對漢族民歌的“體裁”有了不同的理解，于是便出現了多種分類方法。例如“勞動號子”，如果按產生和應用的場合把它定義為“勞動時所唱的歌”，那么“田歌”“牧歌”也是勞動時所唱的歌；但“田歌”“牧歌”的主要音樂形態特征又顯然與一般的勞動號子一領眾和，具有鮮明的節奏律動等特點不相一致，而更多地與一般山歌節奏自由悠長的特點相吻合；然而，二者的社會生產條件又與一般山歌不盡相同。這就產生了多種的分類方法?！绑w裁”分類方法產生分歧的原因是由于分類依據的不統一所造成的。這些依據中有根據民歌的使用場音分類的(例如“民間歌舞”和“小調”的分法；“漁歌”和“田歌”的分法)；也有按照民歌的篇幅分類的（“大型民歌套曲”）；還有按照民歌的社會功能分類的（“風俗歌曲”)等等。
如此眾多分類依據的并存，讓人們無法準確地把握該種分類法的劃分標準是什么。這樣一種紛亂的狀況，對于民歌音樂研究的進一步深入是不利的。江明惇先生明確地闡述了他劃分漢族民歌體裁的依據，即按照民歌產生的一定社會生活條件和功用要求所形成的基本的音樂表現方法和典型的音樂性格特征?！叭嗣竦纳鐣钍欠浅碗s的，民歌的形成、發展以及流傳的情況也是非常復雜的。因而，體裁的問題也很復雜。漢族民歌中多種體裁因素相綜合的現象、不同體裁之間相互轉化的現象都是很常見的?！雹僖簿褪歉鶕魳诽卣?，演唱場合和功用這三種因素進行了綜合考慮。在這樣一種綜合的劃分標準下，多少是將體裁劃分定義作了一個“模糊處理”。遇到不同類體裁出現交集的時候依然很難把握原則。這就好比將幾種相互干擾、相互交叉的劃分標準混合到一起。當然，其表現出來的分類作用有時也顯得有些相互干擾，左右不定。
在本文一開始，筆者提到一個思維意象，就是對于那些原本來自于勞動人民口頭創作的。發展相對自由、漫長的，體裁相互交叉和滲透的民歌發展過程，所有對它的“規范化”都只是相對的。當然也包括“劃分”這樣一個硬是要把一潭清水分割開來的舉動，其結果也只能得來一灘渾水，以至于最終難以分辨得清。像漢族民歌這樣一幅類似于秀美山河風光的圖畫，我們最好還是不要用濃黑的筆墨勾畫出它原本已經消失不清的底稿輪廓。一幅好的繪畫作品，各個部位、各個階段、各個突出的色彩區域都是相互關聯、相互滲透的。
杜亞雄先生從形式邏輯方面指出，如將漢族民歌進行類似“色彩區”的劃分是不當的，因為“色彩區”這一概念是從美術界借來的詞語，“通常用來比喻和形容音樂的不同風格和配器的不同效果。從嚴格的科學意義上講，音樂無色彩。”②美國的民族音樂學家安東尼·希格爾教授在他關于“民族音樂學”的講座中說，人類不應僅僅研究聲音，還要研究創作的背景，聽眾聽到音樂時的景象，可能這是“音樂人類學”(Anthropology0fMusic)所需要真正研究的方向。希格爾教授對非洲一個叫做“Suya”的部落考察了兩年，他對那里的原始音樂發展有著最真實、最深刻的了解。在筆者看來，所謂音樂的色彩，就是足以給那些原始部落人們精神上的影響以及使他們由衷熱愛和需要音樂的原因。筆者認為，漢族民歌的產生和發展多少也會同非洲原始部落的音樂有些許相同。所以漢族民歌的色彩必定是民歌所要表現以及想要給聽者帶來的審美影響和功能。如果音樂沒有了色彩，人類的藝術也就沒有了色彩。
在筆者看來，中國藝術研究院的喬建中先生在《論漢族民歌近似色彩區的劃分》一文中，對“色彩區”這一概念的提出，并非單指民歌音樂所表現的外在效果。之所以用“色彩區”作為劃分的單位，只是想通過這樣一個概念來詮釋一下民歌分類的整體形象。如果追究其原因，我們也只能發現，在自然界中內部關聯、內在聯系是普遍存在的。抓住事物聯系的本質，才是分類研究中的關鍵所在。
民歌作為音樂體系中一個最重要的組成部分，正是因為民歌的來源也很有可能代表著民族音樂的起源。民族音樂作為一個貫通古今世代相傳的民族文化現象，由于較強的穩定性和頑強的生命力，使民歌保持著基本的特征承襲下去，并且保留著濃郁的民族風格和地方色彩。與此同時，由于人文，社會，地理等諸多因素的影響，使民歌發展不斷注入新的活力(當然，也會導致其某一部分的消亡)，由此而產生并呈現出一幅壯闊雄偉的民歌山水畫。這是民歌文化發展乃至自然界發展的必然規律。所以從其本質意義上的結構、形成、融合等角度來看，如果用規整的格式、嚴格地劃分，是不能將其分離開來的。既然民歌的起源無法從地理以及文獻中確認，民歌的發展又包含了那么多的共性與差別，民歌又在特征以及歌詞、曲調上存在著交集的區域，我們就不能為漢族民歌的分類找到一個真理似的答案，將民歌的起源區劃開來。于是人們著眼于分析漢族民歌以及文化發展的過程。筆者還是比較同意華夏民族在黃河流域優先發展的同時，遼闊的祖國大地上分布著各種類型的新石器時代文化。它們各有自己的典型特征，相互之間呈并行關系。由于文化發展的這種特性，就決定著各地產生的民歌有著自己的特色。這一特色所表現出來的正是各地漢族民歌起源和發展的區別之處。
在最原始的基礎上，漢族民歌在地理、文化、語言、社會、人文、地域、歷史等諸多條件作用下，使其本身得以變化、發展。舉例來說，語言對民歌的流傳和演化起到了很大的作用。民歌的分布在東北、西北、西南之所以范圍比較大些，顯然與當地的語言都屬同一語系有關。東南雖然不大，但方言的分支卻比較多。因此民歌的分布也比較復雜。通過各種條件的影響，漢族民歌在保持原始風格的基礎上加以改編，發展成為富有多樣性，又帶有千絲萬縷聯系的民歌藝術形式。之所以體裁分類法存在著一些歧義，可能也正是由于此，由于這些割不斷、理還亂的聯系，所以，任何想通過一種或幾種標準來規范漢族民歌的劃分方法都不大可能將其盤根錯節的內在聯系斷開。
音樂的外在表現是音樂最終的歸宿，不論漢族民歌在悠悠歲月長河中如何演變、如何更新，它也必須通過某種音樂手段和效果表現出來，我們可以稱這種效果為“色彩”。而漢族民歌在內部保持聯系的現象，正是事物發展的一種必然規律。所以我們沒有必要將其理清、分化。不然就近似于社會在倒退。根據民歌藝術表現出來的風格差異，也可說是不同的效果，我們完全有理由將漢族民歌分為若干個部分。之所以叫“色彩區”，也是一種抽象意義上的引用、概括。我們大可不必追究“色彩區”這一名詞的運用是否得當，重要的是，這看似利用事物表面的規律和形式作為劃分標準的分類方法卻大大解決了民歌分類的諸多“標準混淆”的問題。其實站在歷史的舞臺上，人們唯一的權利就是用當前的目光來回眸歷史。正如漢族民歌發展到今天，也只能是等待我們以當前民歌所表現出來的形式、風格來認知和研究它。所以，利用已發展到如今的漢族民歌所表現出來的風格特征對其進行學術上的劃分，正是符合了事物發展的客觀規律，應該是最準確、適當的方法了。
漢族民歌藝術的發展是一個復雜的過程，呈現在我們面前的是風格各異、有著濃濃鄉土之情的心底之聲。不同風格、不同色彩的民歌代表著不同的歷史，不同的內涵。那么就讓這來自五湖四海，祖祖輩輩相傳的肺腑之聲共同詮釋華夏民族不朽的聲樂文化。
注釋：
①江明惇著.漢族民歌概論.上海音樂出版社，1982年12月，第27頁.
②杜亞雄著.中國音樂.1993年1月，第10—12頁.
參考文獻：
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游戲是一種兒童有目的、有意識的活動，是兒童對現實生活中的一種渴望和追求的特殊反映。這種形式符合兒童的身心發展特征，并能滿足其身心發展的需要。兒童的天性是開朗活潑，對事物的認知多數是從其主觀愿望出發的，使用“游戲教學”的方式，也符合國家對兒童教育的“以游戲為基本活動”的教育目標。所以，在音樂教學過程中，音樂教師使用“游戲“這種形式進行教學，可以極大地激發學生的學習興趣，集中學生的注意力，并且能讓兒童在教學活動中獲得極大的快樂。因此，生動活潑的游戲活動是兒童最喜歡接受的教學形式。另外，為了推動兒童形象思維的發展，教學中也可以借助一些直觀的教具作為補充，這樣更能夠增強學習完成聲樂學習的積極性，以更好地狀態面對聲樂學習。
二、選擇適合小學生思維特點的歌曲，激發兒童學習的興趣
小學音樂教師在兒童聲樂教學過程中要充分考慮小學生的認知水平。從小學生的思維發展水平來看，他們主要以形象思維為主，并逐漸向抽象思維過渡，不過這種抽象思維在很大程度上仍然與感性經驗關系密切，具有很大的形象性。同時，他們組織概念、發現問題和解決問題都必須與他們熟悉的物體場景聯系起來，但是他們還不能進行抽象思維。因此，對這個階段的學生進行聲樂教學，要注意結合這個階段學生的思維特點，在此基礎上對兒童進行聲樂教學，可以更直觀地進行幫助兒童聲樂學習，兒童在他們熟悉的情境中通過他們習慣的思維方式完成學習，就會用積極的情緒狀態去思考問題，幫助兒童建立和日常生活經驗有關的聯系。在此前提下，小學生有可能對教學活動產生獨特的體驗，進而對聲樂學習產生濃厚的學習興趣，形成積極的聲樂學習情感。比如，在對小學生進行聲樂教學時，小學音樂教師要選擇與學生適合的歌曲。比如《賣報歌》、《勞動最光榮》等，這些比較適合兒童歌唱的歌曲，不但能夠激發小學生積極向上的精神風貌，還能讓他們對周圍事物展開積極的思考和體驗。而且歌曲別的藝術手法和音樂語言，具體、生動、活潑的音樂形象，可以讓兒童從多個角度和層面對他們周邊熟知或者陌生的環境進行再次觀察，豐富他們幼小的心靈世界。還有一些簡短的、格調比較輕快的世界各地的優秀歌曲，更是可以幫助兒童擴大視野，激發他們的聯想，豐富他們的想象。
三、結語
【關鍵詞】接受美學視域;聲樂表演藝術;美學特性
聲樂表演藝術是以歌唱為主、器樂伴奏為輔的一種音樂表演藝術，也是一種常見的藝術表現形式。目前，我國比較流行的聲樂表演藝術主要有民族聲樂、美聲和流行音樂等。這種音樂表演形式不但能使器樂和人聲完美融合，還能將聲樂作品與眾不同的藝術魅力呈現在觀眾面前。在聲樂表演藝術中運用接受美學的理論，不但能將聲樂表演藝術的美學特性充分展示出來，還能進一步推動聲樂表演藝術的發展，提高我國聲樂表演藝術者的表演水平。
一、接受美學理論的基本概述
接受美學的概念最早是由德國康茨坦斯大學的文藝學教授姚斯所提出，他打破了人們傳統的審美觀念，將美學實踐細分為生產、流通和接受三個方面。接受美學在文學審美方面與傳統的文學理論不同，而且欣賞的重心也發生了改變。接受美學更重視接受者的主觀感受，從受眾的角度出發，淡化了生產和流通方面的重視程度。在接受美學的理論下，人們將作品的創作和欣賞結合起來，形成了一個有機體，從而增進了讀者、作者和作品之間的內在聯系，以受眾的審美需求為主，加強了作品的文學創作。隨著時間的推移，接受美學理論變得更加完善，并被逐漸應用到社會各個領域。聲樂表演藝術作為一種重要的藝術表現形式，不僅要提高聲樂表演藝術的美學特性，還要加強對受眾藝術的欣賞能力的提升。傳統的聲樂藝術表演在創作過程中，只重視作品本身，忽略了受眾對作品的主觀感受，導致聲樂藝術表演的發展受到了限制。所以，在創作聲樂表演藝術作品時，要運用接受美學的理論，不僅可以提高受眾的欣賞水平，還能更好地促進我國聲樂表演藝術的發展。
二、接受美學理論在聲樂表演藝術中的意義
（一）聲樂表演藝術引入接受美學理論的必要性
隨著聲樂表演藝術的完善和發展，其在藝術領域中藝術魅力，并在藝術體系中呈現出不同于其他藝術表現形式的完整性和獨立性。聲樂表演藝術的理論具有很強的推動作用，它不但促進了聲樂表演藝術的健康有序發展，還在一定程度上改善了聲樂表演藝術中的不足之處。但在傳統的聲樂表演藝術研究中，專家和學者研究的重點通常只是聲樂藝術作品和作曲者，對于聲樂表演藝術的受眾幾乎沒有任何研究。因為忽視對受眾主觀感受的研究，因而給我國聲樂表演藝術的發展帶來了不良影響。而采用接受美學理論對聲樂表演藝術的受眾進行研究，能夠使創作者根據自身的欣賞感受，對作品進行二次創作，從而增強聲樂作品的藝術魅力，讓更多受眾喜歡和接受聲樂作品。
（二）接受美學理論引入聲樂表演藝術的可行性
接受美學理論引入到聲樂表演藝術中，不但能夠將音樂和文學融合到一起，還能為接受美學理論在聲樂表演藝術中的運用打下堅實的基礎。首先，聲樂表演藝術和文學藝術具有相同的受眾。聲樂表演藝術和文學藝術有很多相似之處，兩者的受眾都是人，而且兩者創作的目的都是為了滿足人們的精神需求。不同的地方在于，接受美學側重于對受眾進行研究。因為兩者的受眾相同，因而為接受美學理論引入聲音表演藝術中奠定了良好的基礎。其次，聲樂表演藝術和文學藝術存在相同的構成要素。接受美學產生于文學藝術，而文學藝術的構成要素主要是作者、作品和讀者。聲樂表演藝術的構成要素是作品、作曲家、受眾和歌唱者。兩者的構成要素相同，也為接受美學理論引入聲樂表演藝術提供了有利條件。
三、接受美學視域下的聲樂表演藝術
在引入接受美學理論后，聲樂表演藝術為了更好地展示自身的藝術魅力，演唱者還要加強與受眾之間的互動，在表演過程中給受眾留下想象的空間。同時，演唱者還要對作品進行全面分析，掌握一定的表演技巧，以便更好地提升自己的表演水平。
（一）留白
留白就是在表演的過程中，給受眾留出一定的想象空間，讓受眾對此進行藝術想象，并進行藝術填充的表演技巧。如果聲樂藝術的表演者在演唱的過程中，能夠有效運用留白的技術，不但能夠有效激發受眾的想象力，還有利于雙方的互動，調動受眾對聲樂藝術作品欣賞的積極性。在文學創作中，留白主要側重于對人物的性格和心理描述，以激起讀者閱讀的好奇心。聲樂藝術因為留白的空間比文學作品要大，演唱者可以改變表演策略，對留白藝術進行處理。常見的處理方式是通過變換高低聲，營造情感變化，例如表演者在演唱過程中的高昂聲音逐漸回落、聲音漸漸減弱等。
（二）對話藝術
只有聲樂作品、受眾和演唱者三者緊密相連，才能構成一個完整的藝術審美體系。所以，上述三要素如果要達到密切關聯的目的，首先要對演唱者提出更高的要求。演唱者不僅要掌握聲樂作品的表現內容，還要對聲樂作品的思想情感有更深入的理解。另外，聲樂表演中的演唱者要具備良好的藝術修養、演唱水平和豐富的舞臺經驗，以便在舞臺表演中能夠更好地與受眾進行互動和對話交流。因為對話藝術在聲樂表演藝術中能夠起到促進受眾積極參與聲樂作品表演的作用。例如在聲樂表演中，演唱者在表演作品的部分時可以邀請受眾參與演唱，或是帶動受眾跟著音樂節奏打節拍等。
（三）全面觀照藝術
不同受眾之間的價值觀念差異較大，因而在欣賞聲樂表演藝術時，受眾對聲樂藝術作品難以形成一個統一、客觀的評價標準。而且，受眾都是以自身固有的認知去欣賞聲樂作品，所以演唱者在進行聲樂表演時，還要從主觀和客觀的角度對聲樂藝術進行全面的觀照。在聲樂表演中，演唱者一方面要在受眾對自身的表演進行審視時保持客觀的態度，并對自己的表演進行全面考查，以便確定自己的表演是否存在不足之處。另一方面，還要進行不斷的內省，對自身在舞臺上的表演進行反思，從而能夠及時進行改善。
四、接受美學視域下的聲樂表演藝術美學特性
（一）接受美學理論中的審美準備對聲樂表演藝術的影響
審美準備作為接受美學理論中受眾期待審美活動時的主要動力，既是指受眾對聲樂表演藝術的欣賞期待，也包含了受眾對聲樂表演藝術作品的欣賞能力和理解能力等內容。因為受眾在對聲樂表演藝術進行審美前，受到各種因素的影響，因而不同受眾的審美準備也是不同的。比如，受眾的審美準備影響因素有受眾的受教育水平、生活經歷、社會關系和審美實踐等，在種種因素的作用下，受眾的審美能力差異會比較大。而且，即便是同一受眾，在進行審美活動前的心境不同，也會表現出不同的審美準備。所以，聲樂表演藝術中的審美準備對于接受活動的影響是很大的。因此，演唱者在進行聲樂表演藝術時，還要將審美準備作為一個重要的參考依據，并運用到具體的聲樂表演藝術創作實踐活動中。
（二）接受美學理論中的審美接受對聲樂表演藝術的影響
審美接受在接受美學理論中，是指受眾完成對藝術作品欣賞過程的心理活動。聲樂藝術作品通過演唱者的演繹，不僅能使受眾為聲樂作品的文藝特性所吸引，還能調動受眾對作品產生欣賞的積極性，進而促使受眾接受作品，并繼續欣賞聲樂作品。在聲樂藝術表演中，文字和樂譜作為受眾接受的審美對象，是演唱者激發受眾對聲樂作品產生欣賞熱情的關鍵。同時，演唱者也是受眾和聲樂作品互動交流的橋梁。演唱者本身是聲樂作品的受眾和創作者，所以，演唱者在舞臺上的演唱技巧和現場表演，不但能為受眾帶去視覺和聽覺上的沖擊，還能喚醒受眾內心的情感流動，從而使受眾在欣賞聲樂作品時產生情感共鳴。因此，審美接受可以被當作演唱者、創作者和受眾者之間的心理互動交流。同時，審美接受也可以將聲樂作品的藝術魅力充分展現出來。
（三）接受美學理論中的審美留余在聲樂表演藝術中的美學特性
聲樂表演藝術是一項不同于其他藝術的藝術表現形式。受眾在欣賞完聲樂表演藝術后，受眾與作品產生的情感共鳴以及聲樂作品對受眾精神意識造成的影響不會因為欣賞活動結束而停止，這種現象在文學欣賞中被稱為審美留余。在聲樂表演藝術中，受眾的審美活動會不斷增多，審美留余也會隨之不斷增加，對受眾造成潛移默化的影響。隨著時間的積累，受眾在審美準備過程中，對聲樂藝術作品的欣賞能力就會得到提高，同時，受眾欣賞聲樂表演藝術的審美品位也得到進一步的提升。
接受美學作為文學藝術發展創新的一種美學理論，不僅被應用到文學藝術創作中，還被運用到聲樂表演藝術中。聲樂表演藝術是一種綜合性的藝術表演，因而演唱者在舞臺表演的過程中，不僅要將聲樂藝術豐富多彩的一面呈現給受眾，同時還要在表演時兼顧感情的細膩性和表演形象的豐富性。在接受美學的視域下，聲樂表演藝術不但具有很強的協調性和統一性，而且能通過多種方式提高受眾的審美情趣和欣賞能力。這不僅能夠使聲樂表演藝術得到傳承和發展，還能促進聲樂表演藝術和我國傳統民族文化的融合，進而提高我國聲樂表演藝術的整體水平。
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演唱時要保持良好的心情和放松的心情，放松自己的身體，慢慢的用丹田開始吸氣，吸氣的時候我們的小肚子會微微的脹大，這是正確的吸氣方法而不是大口吸氣使肚子產生干煸的狀況，當慢慢吸氣以后，我們開始發聲，發聲的時候，氣息慢慢向外吐，有控制性的向外吐氣，不要每句話都換氣而是在需要換氣的時候換氣，較好的氣息或想要能夠控制好自己的氣息，這就需要長期良好的鍛煉，要有良好的換氣的經驗，因為急促的換氣可能影響整個作品的完成度完美度。沒事的時候我們可以運用無聲的呼吸練習或發聲與換氣相結合的練習。人體分為三個共鳴腔分別是頭腔共鳴、口腔共鳴與胸腔共鳴。一般長刀高音區的時候共鳴會產生在自己的頭腔，也稱為鼻腔，自己的鼻子會有震動感，這就是我們所說的高音區。在我們平時說話或者唱到中音的時候，自己的喉嚨管道會產生震動感，這就是我們所說的口腔共鳴，也就是我們常說的中音區。一般聲音低沉的時候，依賴于胸腔共鳴，這就是我們唱到低音的時候，也叫做低音區。這三個音區雖分高中低音區，卻相互聯系，密不可分，想唱好一首歌就要學會掌握我自己的發聲技巧當我們唱到高音的時候，我們會發現我們的口腔和胸腔都在做著輔助作用，當我們唱到中音區的時候我們的頭腔共鳴和胸腔共鳴也在做著輔助作用，當我們唱到低音的時候我們的頭腔共鳴和口腔共鳴也在做著輔助作用。在歌唱的時候吐字也很重要，音樂與語言的結合在歌唱藝術中也極為重要，分開口音、齊齒音和合口音。唱歌的時候吐字要連貫，要清楚，字與字之間的銜接也尤為重要，必須做到連貫統一。語言可以傳達人類之間的很多感情，所以我們在唱歌的時候必須在字里行間傳達出詞曲作者想要表達的思想感情，這就需要我們更好的語言來傳達。歌曲的快慢、高低、輕重都需要我們去良好的掌握。
二、舞臺表演藝術的情感表現
（一）表演藝術的重要性
聲樂藝術是一門舞臺表演藝術.演員在舞臺上的一舉一動，一個眼神一個動作以及個人心理活動，對他的演唱都有著很重要的影響。在聲樂學習過程中學生應該用肢體去表達想要表達的情感體現，了解舞臺的表演的精髓，學習舞臺表演的基本常識和禮儀，如上下臺的走步，如何與樂隊指揮、主持人.鋼琴伴奏的協調配合以及演唱結束以后的謝幕等等。這些都屬于一個好的歌唱演員舞臺的經驗與素質。
（二）表演藝術實踐的形式
第一次上臺演唱的同學應該先調整好自己的呼吸，演出場地可以選在教室或會議室，演出時組織好觀眾即可。大學一、二年級的學生，可以以班級或者老師為單位，用音樂會的形式組織實踐活動，每學期可進行兩到三次。演唱曲目要和自己的專業老師和自己的經驗來挑選，既能充分發揮自己的真實水平，又使學生能輕松地駕馭作品，減輕心理負擔，讓自己的第一次登臺演出可以順利進行。大三、大四的學生除了參加正常的藝術實踐活動外，還應該積極參加學院、歌舞團等機構組織的各種演出和聲樂比賽活動，通過參加這些活動來了解舞臺、熟悉舞臺，通過演出實踐來真正掌握舞臺表演技巧，從而鍛煉舞臺表現技能，培養良好的歌唱心理，在不斷地參加演出活動中培養學生的自信心和榮譽感，積累和豐富舞臺表演經驗。
關鍵詞：呼吸；發聲；技法；作品風格
1加強基本功的訓練
1.1呼吸在聲樂中的重要性
聲樂的基本功，除了聲音技巧、歌唱語言、表現能力的嚴格訓練等，還需要學習視唱練耳、民族音樂、音樂史、音樂理論、鋼琴等必修基礎課程。對青年歌唱演員來說，決不要滿足于個人初步的點滴成就，更不應把歌唱視為輕而易舉的事，而應使自己具有較扎實較廣泛的基礎，這才有利于將來的發展。
“正確的聲樂，是呼吸、聲門、共鳴以及語言諸因素共同協調配合而成的。”也就是說，發聲要有：第一，動力部分——肺部控制呼吸的肌肉系統；第二，振動部分——聲門，也可以說是喉；第三，擴音部分——胸腔、氣管、咽和頭部諸腔體；第四，語言部分——舌、腭、牙、唇。這四個部分的聯合，組成了發聲機能。我們姑且把它們稱為發聲的四大要素吧！在這四大要素中，它們既是一個整體，同時又是可以單獨改變的。而這每一個因素的改變，又影響著整個發聲狀態。因此這四大要素，在其各自不同狀態下的互相組合，就形成了各種各樣的發聲法。
聲樂的發聲體是長在人體內的生理器官，它不是樂器廠出產的成品，不經過訓練，就不可能成為一件優良樂器。必須經過一定時間的、循序漸進的嚴格訓練，我們的發聲器官才能具有適應演唱各種風格、內容、形式的曲目的能力。好的演唱，除了聲音優美悅耳、感情真摯動人、語言形象準確之外，很重要的一點，就是要聲音技巧運用自如。一首音域寬、句式長、力度大、感情熾熱、強弱和音色變化大的歌曲，如果演唱者缺乏自如地運用聲音的能力，必然會破壞原作的完整性。即使演唱一首音域不大、句式不長、內容優美、曲式活潑的小曲，如果聲音缺乏訓練，也同樣不能很好地表達原作的內容。誠然，發聲技巧只是藝術表現的手段之一，但它在歌唱藝術中，卻具有獨特的作用。
西洋唱法可以吸取的一點就是它的發聲方法。經過一定時期的正確訓練，它可使人的聲音變得圓潤、洪亮、統一，有共鳴，能有“兩個八度”以上的音域。而且歌唱時高音不是刺耳的尖叫，低音也不是強壓硬“擠”，而是靠訓練有素的良好的技術方法自如地“唱”出來的，這種聲音是富有表現力的。
1.2發聲的基本原理
首先，人們通過口，鼻吸氣，使自己的肺葉充滿空氣，當人們呼氣時，由于聲帶閉合阻氣，使聲帶產生震動我們稱它為基音，這時的聲音力量小，音色也不好聽。只有經過身體的共鳴腔體的共振，才能產生自然優美而響亮的聲音。歌唱是呼吸器官，發聲器官和共鳴器官協調，科學的運動。
呼吸器官主要包括：喉頭，會厭，聲帶等。喉頭也叫喉結，是重要的發聲器官，會厭是長在舌根與喉嚨之間的一塊半圓形的葉狀軟骨，它的作用是保護氣管與聲帶。聲帶是位于喉嚨中間的兩條白色韌帶，當人們吸氣時，聲門打開，聲帶自然分開；而當呼氣發聲時，聲帶自然閉合靠攏，成水平狀，氣息穿過兩條聲帶間的縫隙，使聲帶產生震動，產生了聲音。
共鳴器官包括：胸腔，口咽腔，鼻腔，竇腔等。歌唱時依賴人體的這些器官的共鳴作用來擴大，修飾，潤色聲音。
1.3聲樂訓練的基本技法
（1）堅持母音要純凈。
母音不純，是由于有喉音、鼻音等錯誤發聲的干擾所致，因為“錯誤的聲音的發出，必定伴隨著有錯誤的生理動作的原因”。堅持母音的純凈性，就是堅持發聲的正確性，也就是字正才能腔圓。
（2）先想好再唱。
“在發一個音之前，先要在思想上把它成型，并賦予它適當的色彩、音色和表情?！币簿褪峭ǔＫ^的“先想好了再唱”。換句話說，也就是要先形成正確的聲音概念，正確的發聲的條件發射，然后讓這些概念條件反射，自動地來調節，平衡人體的發聲器官來發聲和歌唱。聲樂教學的目的，就是要通過有意識的學習，而達到下意識的或半意識的自如歌唱。按吉利的話來說，每一個人的“說話和歌唱只是有聲音的思想；講話時沒有人想有意識地去擺弄嘴、舌和上顎的動作。他們自己會自動調節”。“從從一個母音過渡到下一個母音，重要的是從思想上去做?！薄爱斔枷氲母鶕钦_的時候，生理部分就會以同樣的準確性，相應正確地反應和調節。我，首先是在思想上建立我的歌唱。”“完全必須預先在心理上想到所希望，或即將發出的母音。”
（3）保持聲音的連貫。
“當必須在同度音或某個音程上作母音變換時，為了避免口內形狀和聲音結構的任何突然和粗暴的改變，其動作必須是平穩的。”“也就是在口咽腔中，對每一個母音所進行的形狀變換是如此輕微，以致只要想到稍微改變一點點，就足以產生所需要的生理效果，這就是連貫地歌唱的秘訣?！豹?/p>
（4）音色變化。
“一個正確平衡的發聲機能能準確地教育著歌者本人，使他知道可以或不可以把自己的聲音''''開放''''、''''集中''''或''''關閉''''（變圓）到什么程度，而不至于成為喊叫?！泵缆晫W派所需要的音色，并不是越明亮越好，也不是越厚、越圓越好。理想的音色，應是歷代美聲學派大師所提倡的''''又明又暗''''。所謂的''''暗''''，實際是母音變暗，母音變圓（即唱a時帶點o等）這樣的母音變形就可以使聲音變得更為圓潤，寬厚，可以使聲音避免因過份明亮靠前而變得剛硬、尖銳、刺激，并使聲音具有天鵝絨般地柔和感覺而仍不失其明亮
（5）呼吸需要有彈性。
當完成下肋兩側擴張，小腹微向內收的呼吸動作后，腹部“不能有任何僵硬或不舒服的感覺而只是具有有彈性的柔韌的堅定?！倍摇霸谖乙婚_始歌唱的時候，我就把橫膈膜、肋骨及呼吸機能的一切動作，全都置之度外。”呼吸吸得過滿，腹部肌肉過份僵硬、缺乏彈性等弊病，必然會帶來喉部肌肉緊張、僵硬。
（6）音樂表演的適度感。
某些因強調語氣而做的柔和且又稍微延緩一些時值的“延緩重音”（Tenuto）。“既不能太短，也不能太長。如果延續得太長，就會流于粗俗；如果太短，就會發揮不出其真正的表現力?！边@種適度感，只能是歌唱家自己“通過長期的藝術實踐，積累經驗，而獲得的一種藝術和美學的感覺?！豹?/p>
除此之外，人們還有咬字的氣官包括口腔，唇，齒，舌等。它們是我們演唱時表達感情，傳達歌曲內容的重要器官。
因此，對專業歌唱演員來說，基本功的訓練是極端重要的，而且一定要精益求精。
2大量學習中外聲樂文獻
在聲樂訓練中，有了扎實的基本功，就應該不斷擴大自己的演唱曲目，學習一定數量的音樂文獻。經典的中外音樂文獻都有一定的規格（內容、風格、速度、句法、段落、等藝術處理），學習、掌握、分析研究并演唱這些經典文獻中的規格，是學生在具備一定聲音技巧后必須十分重視和努力的。在接觸不同中外文獻的過程中，學生不但學習到不同時期不同聲樂品種、流派的藝術風格，掌握不同聲樂作品的藝術處理，更重要的，是在涉獵和演唱大量文獻中增長自己的音樂藝術修養。
對于在校學生學習期間基本功訓練與聲樂文獻學習的關系，我認為，教師和學生重視基本功訓練是應該的，但決不能忽視對聲樂文獻的學習，這兩者皆不可偏廢。過于強調基本功，易養成重技術輕藝術的觀念，不利于學生的全面發展。教師應讓學生認識到練好發聲技術，是為藝術地表現歌曲內容服務的，并且通過演唱一些聲樂作品還可以促進基本功的提高。因此，基礎訓練與文獻學習是相輔相成的關系。文獻的選擇要根據每個學生的聲音條件和接受能力因人而異。教師在每個學期或學年的開始，都應在為每位學生制訂教學計劃時，選定適合該學員發展的各類曲目和曲目的數量（在教學過程中還可作適當的調整）。如果每個學期或學年曲目學得太少，教師一味強調少而精，實際上就會妨礙學生的學習進度。所以，一定要重視曲目的數量。也就是說要讓學生每學期或每學年學習的曲目多一些。只有這樣才能獲得量中求質的教學效果，反過來，有了質，量才會有意義。人們常說要提高質量這句話，可見質與量本來就是不可完全分離的，而是緊密相依的關系。
3在實踐中摸索正確的學習方法
聲樂是一門藝術，藝術有其自身的規律、原則和科學性。但人在歌唱時有關器官的活動，不能進行明確無誤的人體解剖，把發聲器官的活動規律弄得一清二楚。因此，聲樂學習也是一門實踐性極強的課程。尤其在教與學的過程中，不同的學生會出現各種不同的現象，不斷發生新情況，如心理的、生理的、性格的、領悟能力的、文化素質的、學習態度以及師生關系等方面層出不窮的新問題，影響學習進度。教師只能在“教中學”，不斷探索、鉆研出新的辦法，去適應新的情況，去解決新的問題。往往很多聲樂教學論著中寫在紙上的東西不能代替教學實踐，真理只能在實踐中經受考驗。因此，教師與學生要根據不同學生的個例，共同摸索適合不同學生的學習和教學方法，從而使每個學生在學習期間都取得進步，獲得很大收獲。而學生除在課上直接接受教師指導并能較好完成課上作業外，教師也應該根據其能力，鼓勵學生在課下獨立自主地選擇一些自己喜愛且程度適宜的作品自學，或作為瀏覽曲目試唱。這樣做，既可擴大學生的視野，又可以加強其獨立處理作品的能力，從而使學生演唱作品及理解作品的水平得到較快提高。
4逐漸培養和形成獨特的演唱風格
藝術貴在獨創。一個優秀的歌唱者，必須逐步形成自己的演唱個性，具備區別于他人的獨特的演唱風格。因此，我們主張在理解和掌握中外聲樂文獻曲目規格的前提下，學生可根據自己的聲音特點及對作品的理解發揮個人的創造性，使演唱具有自己的風格。但這種創造性一定要在尊重作品原有規格的基礎上發揮。
同時，我們也鼓勵歌唱者之間互相學習，但不能提倡對別人的簡單模仿。應該在學習、借鑒前輩及他人藝術經驗的基礎上，結合自己的藝術實踐和自身的條件、特點，培養和創造出自己的演唱風格來。
總之，“藝無止境”，聲樂學習也是學習一種藝術，同樣是沒有止境的。不管是學哪種唱法的，應該經常交流經驗，互相學習，取長補短，共同提高。
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比較音樂學的產生與研究對象
民族音樂學最初被稱為比較音樂學。比較音樂學的名稱是進入20世紀后首先在德國開始使用的，英文為“ComparativeMusicology”，其實比較研究的方法用于非歐洲音樂研究最早在17世紀就開始了，但是這一學科的建立是以1885年阿德勒的《音樂學的范疇、方法和目的》和亞歷山大約翰·艾利斯的《各民族的音階》為標志的。其研究對象是歐洲以外的種族、民族的音樂文化，正如薩克斯所定義的異國文化的音樂。這一學科的建立和研究對象的確立是與當時的歷史背景和研究者的立場有著密切關系的。首先，比較音樂學的產生和發展與歐洲殖民主義的興起和擴張有密切的聯系。以18世紀為開端，歐洲發達資本主義國家相繼跨入亞洲、非洲和拉丁美洲，進入這些地區的西方人類學家、歷史學家和文化學家首先向外部世界開啟了這些非歐國家民族的傳統文化之門。他們用西方學者的觀點和方法試圖了解、認識和把握這些國家和民族所具有的令他們新奇的特殊文化，想將這些相異于歐洲文化，不被歐洲人所知的文化公諸于眾，加之古典進化論學派和馬克思、恩克斯對于人類進化和原始社會經濟的科學認識，至19世紀60—70年代，民族學作為一門科學在歐洲和美國產生并興起，Enthnology一詞1830年首先由法國人讓·雅克·昂佩勒提出，30-70年代民族學、人類學學會先后在法、美、英、德和意大利建立起來。比較音樂學則是在民族音樂學進入80—90年代的一個新的發展階段時應運而生的。這一時期的歐美出現了一支受過專業訓練的民族學隊伍，開展了世界范圍的、有目的的民族學田野調查工作，異國的民間藝術引起了學者們的關注。與此同時，歐美的許多城市建立起了人類學和民族學的博物館，收藏了許多非歐洲的樂器和有關的音樂文物與手稿，記錄亞洲、非洲、美洲民族音樂的材料大量增加，使人們對于非歐洲地區音樂文化的注意力進一步增加，加之1877年愛迪生發明了留聲機，對無文字非歐民族音樂的研究產生了無法估量的推動作用。在這些基礎上，比較音樂學這門學科在民族學諸多研究的影響下，應強烈而廣泛的社會和時代需求產生了。英國語言學家兼物理學家和數學家艾利斯和阿德勒、艾斯比塔等歐洲學者為比較音樂學的建立和發展作出了貢獻。
由此可見，比較音樂學研究的異國音樂文化是相對于當時殖民者的主體文化而言的，也是相對于起初參與比較音樂學研究的這些歐洲學者自身的文化體系而言的。相對于其原本歐洲音樂文化知識體系的未知領域就成了比較音樂學研究的對象，在這種情況下，異國音樂文化=非歐洲音樂文化，即形成了歐洲文化特別是歐洲城市藝術音樂文化相對于非歐洲音樂文化的比較研究。實質上是一種以歐洲整體作為一個中心以歐洲大民族為立場而進行的研究。
隨著學科的不斷發展，整個人類文化研究的進步和不同種族的非歐洲國家的學者對比較音樂學研究的參與，比較音樂學的研究環境和立場出現了變化和拓展，其研究方向和對象也出現了擴大和性質的變化，最初的比較音樂學的名稱被民族音樂學所代替。
比較音樂學到民族音樂學的確立
我們不得不承認，音樂的發展往往是在別的學科帶動下進行的，在創作方面，西方城市藝術音樂的派別經常是步文學、美術之后塵，如古典派、浪漫派、印象派的產生，在學術研究方面，史學、比較學、民族學的發展都深深地影響和引導著其對應的音樂學的學科發展。比較音樂學的建立受到民族學研究的影響，并在民族學發展的影響下最終成為了民族音樂學。
進入20世紀后，民族學產生了眾多學派，提出了不少新觀點。傳播學派是20世紀40年代在歐洲民族學界影響較大的一個學派，這一學派的先驅——德國學者拉策爾提出了把文化研究置于具體的地理環境中，同時重視各民族自身的歷史條件的研究方法；功能主義的代表人物馬列諾夫斯基認為每種文化都是不可分割的整體，要重視當前生活與現狀的研究，反對殖民者對土著居民文化的粗涉；美國波阿斯學派又稱文化相對主義學派提出了文化標準是相對的，各民族文化珍品不能進行比較等觀點和理論思想。這些立場、觀點和理論我們都可以在比較音樂學的研究中找到其對應的影子。特別是波阿斯為代表的美國學派的興起，使得二戰后的比較音樂學有了較大的發展，即在重視非歐洲民族音樂研究的同時，開始重視對本民族音樂的研究。波阿斯提出的各種文化價值平等、文化不可比較、反對歐洲中心主義的觀點使得比較音樂學研究的對象的相對基礎，即歐洲整體作為一個大的中心民族的基礎動搖了，突破了比較音樂學研究的非歐洲音樂的局限，對文化是否要相互比較提出了質疑。
同時，美國人類學家開始認為人類學的種種研究方法不但可以研究非母系文化，而且應該更多地用來探究其自身所屬的文化，從而使美國人類學家開始以更多的精力研究美國的自身文化。與此同時，其中一部分人類學家開始帶著這種思想積極地參與民族音樂的田野采錄工作，而這在歐洲比較音樂學領域是不多見的。美國人類學家的參與雖由于本身音樂能力的限制，無法將其深入，只形成了一種思想趨向，但這種思想趨向卻使比較音樂學的研究發生了很大變化。它使得美國的一些音樂家從音樂界轉入人類學界，一些人類學家去研究音樂行為(并從技術上分析)，同時還帶動了這一思想趨向在歐洲研究機構的出現。
這一切的結果是，二戰以后幾乎所有的比較音樂學者都開始把注意力轉向現存的自然民族音樂的人類學研究方向。于是，比較音樂學的研究范圍和立場發生了質的變化，從地理性民族和歐洲中心看世界的角度轉向了文化相對論，即站在全世界民族音樂文化平等的立場全面考查研究各民族(包括本民族)的音樂文化。于是，比較音樂學在研究對象和立場發生巨大變化和沒有進行更多比較的情況下引退，取而代之的是民族音樂學這一名稱。
另外，值得注意的是，20世紀前葉，中國、日本和東歐學者對比較音樂學研究的參與，對于這一學科的轉型也起到了比較大的作用。他們在美國開始重視研究自身民族文化之前就開始了對其本民族音樂文化的研究。實事求是地說，最初美國學者對本土音樂文化的研究還不如這些國家學者來得純正，畢竟美國的學者也大都是英、德等歐洲國家的移民或后裔，他們的文化體系和觀點和歐洲同出一轍，而他們對于本土文化的研究起初是熱衷于北美大陸印第安民族音樂的探根溯源，從某種角度上說，屬于一種異民族音樂文化的研究，但其提出的對本土文化的研究觀點及其后來的發展，對突破歐洲中心論是極為重要的。而在這之前，的確有不少學者真正作了對本土音樂文化的研究。在東方比較音樂學研究中，中國的王光祈早在1926年就著有《東西樂制之研究》，其后又有1929年的《東方民族之音樂》和1934年的《中國音樂史》，日本的田邊尚雄于1936年創立了東洋音樂學會，1948年著《東方的樂器及其歷史》；匈牙利作曲家、音樂家巴托克和音樂學家柯達依分別于1906年和1905年開始對匈牙利的民歌進行收集研究，并分別出版了《匈牙利民歌》和《論匈牙利民間音樂》。雖然他們仍是用比較音樂學的觀點和方法對本土音樂文化進行研究，力圖從東、西方音樂的比較中得到某些結論，尚屬比較音樂學的范疇，但是他們參與研究的這一行為本身，和他們自身的非歐洲特質和立場已經使比較音樂學的研究發生了立場上的變化，雖然和美國學者的指導思想不同，卻起到了異曲同工的作用，打破了比較音樂學研究的異國文化的框框，促使了民族音樂學的建立。二戰后，荷蘭人普·肯斯特提出了用Enthno-musicology這個術語代替ComparativeMusicology，首先被美國人所接受并固定下來。1959年，孔斯特的《民族音樂學》問世，這一學科正式成立。
民族音樂學研究對象各家學說的分析及思考
自從比較音樂學因研究對象的變化而更名為民族音樂學以來，學術界就如何劃界才屬民族音樂學領域進行了不少討論，有趣的是，這種討論尚未終結而社會的發展卻使民族音樂學的研究對象不斷在拓展，民俗音樂和伴隨著產業化社會而迅猛發展的大眾音樂已無可爭議地成為了民族音樂學研究的對象。所以，如何來劃定民族音樂學研究的領域更加成為一個值得人們思考的問題。
首先我們來看看各家各派的觀點?？姿固卦谒摹睹褡逡魳穼W》的開頭就闡明了自己的觀點：
這門學科的研究對象包括從所謂未開化的人一直到文化民族的一切種族、民族的音樂，研究所有類別的非西洋藝術音樂。民族音樂還把外來音樂的傳入現象，即不同性質的音樂要素相結合而產生的影響這類社會學方面的問題也作為自己的研究對象，西洋的藝術音樂以及通俗音樂不包括在這個領域之內。[1]
梅里亞姆在他的《民族音樂學的研究》中認為，“民族音樂學的目的和著眼點與其他學科的目的和著眼點并沒有什么明顯不同”，“它的特殊之處就是使用的特殊的方法，尤其在認為有必要使人類學與音樂學這兩類資料相結合這一點上”，并強調“民族音樂學通常是由音樂和民族學這兩個不同的部分組成，可以認為它的主要任務并不是強調任何一方，而是采用雙方都考慮進去這種特征性的方法，使其融為一體”，提出“對文化中的音樂的研究”[2]。有人便據此認為民族音樂學就是研究所有的音樂文化，可以替代音樂學成為一個沒有邊緣的音樂學科。筆者認為這是不正確的。梅里亞姆在談到民族音樂學者的工作的第一個階段時闡明：“資料的收集，一般意味著對歐洲美國以外的地區進行實地調查?！盵2]這句話應代表著他對民族音樂學研究對象或者說是著眼點的看法。
涅特爾在《什么叫民族音樂學》中對民族音樂學的研究對象進行了分類，他認為這門學科“主要探討三類音樂，第一類有關無文字社會的音樂(musicofnonliterate)，第二類亞洲及非洲北部文化中的種種音樂，即中國、日本、爪哇、巴厘島、西南亞、印度、伊朗以及阿拉伯語系諸國家(和地區)的音樂文化，第三類是民俗音樂(folkmusic)可定義為，在上述亞洲高級文化和西方文明中，以口述方式來傳承的音樂?！盵3]
美國學者胡德在他的《民族音樂學導論》中則就美國的具體情況對民族音樂學的研究對象作了較為具體的闡述，他不僅提到了對美國以外的異國文化的研究、美國本土土著音樂的研究、民俗音樂的研究，還涉獵了新興的電子音樂的研究——著名的甲克蟲樂隊[4]，但同樣回避了歐洲城市藝術音樂。
以上是歐洲和美國學者的看法，20世紀中后期興起的以日本學者為代表的東方民族音樂學家們以他們不同的文化歷史背景和視角逐漸為世界民族音樂學界所注目，他們對這一問題也提出了自己的看法。日本學者岸邊成雄先生認為：“比較音樂學成為民族音樂學主要是學者們對自然民族的研究，后來又加入了東方高文化民族的藝術音樂?！盵5]山口修先生則認為“民族音樂學就是認識民族音樂的各種方法中的一種，即學術性的認識法”[6]，也就是說民族音樂學的認識研究對象是民族音樂，他對民族音樂加以定義：“民族音樂則是作為各個民族集體所擁有的龐大文化事項中的一個項目而在其中占有一定地位。民族音樂是主要以‘音’作為表現媒介體的象征的產物之一種?！盵6]在中國，從1979年民族音樂學這一學科引進以來，就開始了對這一學科研究對象的爭論?；谥袊魳穼W的特殊情況，這種爭議也有其特殊性。從1980年到1988年，爭議的核心是“民族音樂學”是不是就是研究“民族民間音樂”的問題。后來，王耀華先生、杜亞雄先生將中國傳統音樂加以梳理，得出結論：傳統音樂包括民間音樂、宮廷音樂、文人音樂、宗教音樂[7]。中國民族音樂包括我國的傳統音樂和新音樂[8]。而趙宋光先生和趙fēng@①先生則提出用Sinology-misicology來表達中國民族音樂研究，即漢民族與中國境內的各民族的華夏音樂。黃翔鵬先生認為“這一學科就是中國傳統音樂研究”，并強調“用民族學、人類學、地理學、民俗學來討論問題，不可避免涉及到音樂形態的差異”[9]。
近來，很多學者又認為沒有音樂不是民族的，所以民族音樂學要與音樂學整合，研究所有的音樂和音樂有關系的東西。有人則提出民族音樂學只特殊在其研究方法上，用文化的、人類學的方法研究所有的音樂就是民族音樂學，并且應該更名為音樂文化人類學。同時，人們在對研究對象進行爭議的過程中，也不斷提出新的研究立場和方法，如70年代開始的文化視野看待音樂研究、重視人文性，90年代開始的全球視野，都對這一學科的范疇和定義作了相應的討論。
綜上所述，我們首先可以認定民族音樂學作為一門學科無論在世界上，還是中國都是已經確立并真實存在的。而作為一門完善學科一定有其確定的、與其他學科不同的研究目的、研究對象和研究方法。其中方法和對象是相輔相成的，特殊的研究對象需要特殊的研究方法，特殊的研究方法有其適應的研究對象，它們同時決定著一個學科的特殊性、獨立性，如同哲學、美學、歷史學、人類學各有其獨特的研究方法和與之相應的研究領域。民族音樂學是一門民族學和音樂學相結合的學科，也正如梅里亞姆所強調的“民族音樂學通常是由音樂和民族學這兩個不同的部分組成，可以認為它的主要任務并不是強調任何一方，而是采用雙方都考慮進去這種特征性的方法，使其融為一體”[10]。所以，要用文化的視角、人類學的方法來研究民族音樂學，用文化視野、全球視野進行民族音樂學的研究，民族音樂學有其特殊的研究方法，這些認識都是正確的，也正是由于民族音樂學有這樣的特殊的方法，才定義了它的研究領域和對象，即適合用這些方法去研究的對象和領域。所以，民族音樂學研究對象不是無限寬泛的，而是可以而且是有必要劃定的。
無論民族音樂學的學者們怎樣爭論，最終都要落實到民族音樂學家們究竟研究了些什么。我們看到在中國和日本等非歐國家，很多學者致力于本民族音樂的研究，也有很多學者涉獵到自己本土以外的音樂文化的研究，如日本的拓植元一先生對西亞音樂的研究、中國的杜亞雄先生對匈牙利音樂的研究、王耀華先生對日本琉球音樂的研究、羅藝峰先生對東南亞音樂的研究、陳自明先生對南亞音樂文化的研究等等。由此來看，用國別、洲別甚至民族之別來劃定民族音樂學研究的對象并不可取，僅研究本國的傳統音樂更是不可能囊括民族音樂學的研究領域。
既然學者們早已開始用一種全球化的視野進行著全球性的民族音樂文化的研究，那么我們就應該把所有民族的音樂文化平等的擺在我們面前進行研究概括。筆者很認同山口修先生對于民族音樂的定義，即：民族音樂是主要以“音”作為表現媒介體的象征的產物之一種。也就是說民族音樂學研究的對象應該是以音為特征存在的文化。這里有兩個要點，一是“音”，無論要研究它是什么樣，還是為什么是這個樣，無論它是一樣樂器還是一個儀式，無論是強調文化背景、群體還是個體，都要首先有音樂這個最基本的定位，一切都是與之有關進行衍展的。二是存在，無論你要追根溯源還是要展望未來，無論用歷時性方法還是共時性方法，都要有一種音樂文化活生生的在你面前，然后將它呈現出來，再進行挖掘。當然也有用歷時性的方法從前往后進行梳理，但在今天找到與之有關的對應的音樂現象是必不可少的。其實，這一總結是和這一學科的方法密不可分的。人類學的田野調查的方法可以說是這一學科必不可少的、并使之獨立于其他音樂學學科的方法，田野工作是每一個民族音樂工作者的必由之路，沒有一個民族音樂學學者可以在圖書館里完成他的課題。那么，可以并適合進行田野工作的音樂文化，即以音為特征的存在的文化就成了民族音樂學的研究對象。
明確了這一點有利于更好地運用民族音樂學的研究方法，有針對性的進行民族音樂學的研究。這一點尤其值得亞洲、非洲等非歐民族的民族音樂學學者注意。因為，這些國家的民族音樂學研究屬于引進學科，與西方接軌時不免要遇到視角立場的變化和不同文化背景的沖擊，如，西方把對非本土音樂的研究都歸為民族音樂學類，而在非西方國家則不能這樣做，中國的歐洲音樂史研究學者肯定不同意將自己的研究對象劃歸民族音樂學研究范疇，而且也不適合這樣做。還有，這些國家有著悠久的音樂歷史，但是大多記譜法不發達，成為表現于文字的啞音樂史，而這些啞音樂史由于多文字少曲譜，使其包含的領域與西方的音樂史很不相同——不是音樂家、作品的歷史，對于它的研究與西方的方法、成果也有所不同，因此在涉及到這個領域時，這些國家的民族音樂學工作者們不應一味照搬西方民族音樂學學者對西方音樂史的研究理念。由于西方記譜法的普及運用較早、較成熟，大部分藝術音樂史上的作品都可以還原為音，并且很多至今流傳，符合民族音樂學研究的對象條件，只要從民族學的新角度，運用民族學的新方法進行再研究，就可以得到不同于以前歷史學研究的結果，如對貝多芬的民族音樂學研究。但很難想象中國民族音樂學者對萬寶常、李延年的研究會達到如此效果。民族音樂學家眼里西方的音樂文化無非是有樂譜記錄的音樂文化和無樂譜記錄的音樂文化——被歸為口傳心授的民俗文化，大都適合民族音樂學的研究方法，因此那些認為民族音樂學就是研究一切音樂文化的論調也不足為奇。但是很多象中國一樣具有豐富的啞音樂文化的國家的學者，要對這一論調有清醒的認識，在對本國音樂文化進行研究時應更好地認識民族音樂學研究對象的特殊性，這是非常重要的。
收稿日期：2001-12-25
【參考文獻】
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[5]岸邊成雄著.郎櫻譯.比較音樂學的業績與方法[日][A].民族音樂學譯文集[C].北京：中國文聯出版公司，1985，265.
[6]山口修著.江明譯.羅開傳校.民族音樂與民族音樂學[日][A].民族音樂學譯文集[C].北京：中國文聯出版公司，1985(6)：226.
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[8]杜亞雄.民族音樂學的學科定位[J].交響，2000(3)：11.
[9]黃翔鵬.關于民族音樂型態學研究的初步設想[A].中國音樂年鑒[M].濟南：山東教育出版社，1993.231.
[10]A.P梅里亞姆著.俞人豪譯，金文達校.民族音樂學的研究[A].民族音樂學譯文集[M].北京：中國文聯出版公司，1985.206.
字庫未存字注釋：
我國民族聲樂藝術是一種具有創造性的綜合藝術，這種藝術充分融合了中西方各種不同的藝術，更是一種在不斷完善中確定存在方式和創造力的意識?！肮艦榻裼?、洋為中用”這句話能夠充分的體現出我國民族聲樂的特點，一方面繼承了傳統，另一方面也吸收了西洋文化，不僅蘊含民族特色，更具有當今時代特征。所謂古為今用就是民族聲樂在審美、創造、演唱等多個方面都有著同傳統當代不一樣的特色，當代的聲樂藝術是在傳統聲樂中發展起來的，當代聲樂中很多理論和特征也都是從傳統聲樂中汲取來的。所謂洋為中用就是要積極學習國外先進的演唱形式和方法，要有選擇的融入到我國聲樂藝術中，把中西結合的特點充分的體現出來，無論是在聲音的音色上還是聽覺特征上，不僅要體現出我國民族聲樂的特點，還要體現出國外聲樂的特征?！肮艦榻裼?、洋為中用”也體現在了和聲、節奏、配樂等各個方便?，F如今，我國聲樂藝術已經成為戲曲藝術和西洋美聲藝術相融合的一種形式，各種聲樂藝術在聲樂舞臺上都充分的體現到處了“古為今用、洋為中用”的美學特點，同時也體現了我國音樂的審美思想，展現出了我國人民的創造能力。
二、現代性美學特征
現代性作為一個重要的概念，如今已經滲透到社會的方方面面當中，社會上的任何事物其實都具有自己的現代性特征。藝術是人類文化的重要組成部分之一，其重要性不言而喻，它是與人類生活緊密聯系的重要方面，因此現代性的概念自然也與人類社會生活有著非常密切的聯系。作為藝術的表現形式之一，聲樂在自身的發展過程中也在一定程度上具備了社會學的某些性質，在人類社會不斷發展和逐漸變更的過程中，對聲樂藝術產生決定性影響的自然就是人為意志。站在社會學的角度去研究音樂美學是音樂美學的重要內容之一，音樂與社會存在著某種聯系，利用社會關系可以對音樂的本質進行解讀，從而揭開時代的本質。在現代社會的價值觀念呈多元化的發展趨勢，改革開放后中國與世界的交往日趨頻繁，國外音樂對國內音樂的沖擊和影響，使多元化的音樂發展成為時代的主旋律，中國的音樂也必然要走向世界。當世界音樂的舞臺上開始出現電子音樂等抽象音樂時，聲樂藝術就被賦予了非常明顯的時代烙印，在中國聲樂的發展過程中，傳統與時尚的辨證統一是符合中華民族審美特征的，中國音樂中包含著富有中華民族特色的音樂氣息，這些因素也是中國民族音樂藝術區別于其它的本質所在。在中國民族音樂的藝術因素中，主要包括了傳統的演唱、審美和表演等，時尚氣息總體上保持緊密聯系。
三、總結
關鍵詞:課外閱讀;廣博;有序
語文課程標準明確要求7-9年級學生“學會制定自己的閱讀計劃,廣泛閱讀各種類型的讀物,課外閱讀總量不少于260萬字,每學年閱讀兩三部名著?！边@充分體現現代社會以人為本,為學生將來的發展著想的指導思想。因而有效地開展課外閱讀是我們初中語文教學最基本的任務,但是,受各方面原因的影響,農村初中生課外閱讀的實施和落實,并非像人們想象的那么簡單、那么美好。目前的閱讀現狀主要存在以下幾個方面的問題。
1.功利主義思想當頭。06年中考開始,徐州市為促進學生的課外閱讀,把課標附錄上的十部文學名著列入中考考試范圍,但沒想到的后果卻似給農村學生劃定了一個閱讀的范圍,受農村圖書資源、家庭條件的制約,農村學生不能享受城市學生充足的“借閱”“買閱”條件,讓閱讀變成了為了提高中考考試成績的目的,實在事與愿違。曾經我班級中有位學生,據說他對《水滸傳》讀得“很熟”,我便想試探個究竟,幾個小問題后,發現該同學對書里的情節先后、人物的事件爛記于心,說得條理分明,但經不起細致追問,再問問細節方面的內容,卻是一片空白,最后才知道這位同學硬是把回目背了個差不多,但對真正內容卻是囫圇吞棗,這與以考試促閱讀的本來目的確實大相徑庭。
2.隨意性閱讀突出。我曾經在班級中組建圖書角,可同學們第二天拿過來讓大家交流閱讀的書著實讓人大吃一驚,80%的圖書是供消遣性閱讀的書籍,這也從一方面反映出閱讀的現狀,大部分學生讀的是小說、故事類書籍,特別是武俠小說、港臺流行小說、神話演義小說等,甚至有些是言情、刺激性極強的“地攤書籍”。而科技類、社會科學類、百科知識類書籍很少問津。一部分學生還把漫畫、卡通書以及金庸的武俠小說和瓊瑤的言情小說作為閱讀的主要對象,更有甚者,部分同學沒有選擇地讀,得到哪本讀哪本。
3.無痕跡式閱讀普遍。我去年對初中二年級學生做調查,你閱讀過哪些書籍?竟然有很多同學思考好久答不出來哪怕一本?？梢娝麄冏x書沒有計劃,閱讀缺乏系統性,幾乎沒有任何效率、效果,很少有幾個同學有寫讀書筆記的做法,這種走馬觀花,缺少深入理解和整體把握的閱讀在他的頭腦中沒有留下任何痕跡。
針對以上現象,如何能讓農村初中生課外閱讀更有效?我作了以下探索。
一、以課堂導向課外
課堂是教學的永遠的主戰場,在課堂上,老師如能激發起學生課外去“尋閱”的興趣,這是解決問題的最根本的、最有效的途徑。例如,初中語文教材《滕野先生》、《智取生辰綱》、《楊修之死》、《香菱學詩》這些課文,在講解內容時或學完課文后,設置幾個問題,如:魯迅到先生小時候在家庭中有何經歷才促使他去學醫?參與智取生辰綱的這幾位梁山英雄的故事你能講多少?曹操打這次仗是在怎樣的背景下的?香菱怎樣進的大觀園,能講一講她以前的生活經歷嗎?
這些問題,無疑是能引起學生的興趣的,從而自覺地去尋找答案,閱讀這些小說。因為是長篇小說,教師可指導學生定期閱讀,不宜心急,并可在一段時間后,以講故事、你問我答等方式在班級內互相交流。
二、以時文導向廣博
農村學生受家庭經濟條件的制約,對于期刊、書籍的購買能力是有限的,教師可以指導學生分散購買,閱讀后集中互相交流。交流過程中,教師可結合教材,設立主題,如成長腳印、親近文學、走近自然等等不一而足,讓學生歸類推薦自己閱讀到的時鮮美文,分享共同閱讀的成果,也讓學生的閱讀更廣泛、更博深。
三、以氛圍營造有序
